la musique moderne
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                                               Le romantisme musical gardera toute son influence pendant la deuxième moitié du XIXme siècle. De nombreuses écoles voient le jour dans tous les pays d'Europe et chaque peuple tente de créer un art national.

                                    Né en 1813 Richard Wagner est attiré par la poésie et le drame. Très influencé par l'opéra historique, il termine Rienzi à Paris en 1840. Ensuite viendront les opéras qui composent  l'essentiel de son oeuvre, et qui influenceront la musique, pour longtemps.

Wagner

 

Ce sont " le vaisseau fantôme"," le Hollandais Volant", "Tannhäuser" en 1845, "Lohengrin" (1847) De 1850 à 1858 environ il compose son chef-d’œuvre, la tétralogie de " L'anneau de Nibelung" avec, l'Or du Rhin, La Walkyrie, Siegfried, Le crépuscule des Dieux.
        A la fois musicien et poète, théoricien et philosophe, il obtient la synthèse de la parole et du son que beaucoup de musiciens cherchèrent sans succès avant lui.

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         En Italie, c'est toujours l'opéra qui tient le devant de la scène.

Issu d’un milieu modeste, Verdi connaît un début difficile. Il est refusé en classe de piano au conservatoire de Milan, mais ces dons de compositeur sont remarqués et encouragés.
Dès 1839, il obtient une première commande de la Scala de Milan. En 1842,  son opéra «Nabuccodonosor » est un triomphe. Avec « Ernani » il dévoile sa personnalité dramatique et affirme son romantisme latin. Les amours toujours impossibles de ses opéras, finissent par la mort obligée du héros ou de l’héroïne.
En 1874 il compose un Requiem grandiose.

Verdi

Verdi s’impose comme le musicien du début de ce siècle.

Puis arrive Puccini (1852-1924), qui écrit des opéras d'un genre nouveau, c'est la naissance de l'opéra moderne, avec un orchestre plus important, et une sonorité flamboyante et riche.
Ses 4 chefs-d’œuvres sont "Manon Lescaut (1893) "La bohème" (1896), "La Tosca" (1900) et "Madame Butterfly" (1904)
                L’Espagne n’est pas en reste avec Albeniz (1860-1909) pour ses oeuvres pianistiques, Granados (1868-1916) avec ses "Goyescas" et Manuel de Falla  (1876-1946) auquel nous devons "l'Amour sorcier" (1915).

        Dans les pays scandinaves et spécialement en Norvège, un élan nationaliste à la recherche d'une identité culturelle voit le jour.
En musique, Edvard Grieg ( 1843-1907) sera l'homme de la situation.

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        Il passera quatre années assez désagréables au Conservatoire de Leipzig (1858-1862) à cause d'une profonde mésentente avec son professeur d'harmonie.
Il reçoit toutefois un enseignement de qualité et le bain culturel germanique constitue son ossature musicale. Très influencé par Schumann, il finira par trouver son propre langage nationaliste.
       En 1885 il s'installe définitivement près de Bregen. Vers 1890 un nouvel élan nationaliste l'anime et il compose ses oeuvres les plus inspirées du folklore. Son harmonie évolue peu à peu vers la dissonance.
Grieg

 

     Ses d’œuvres les plus connues sont l'Humoresque op 6 (1865), Peer Gynt (1874) son concerto pour piano op 16 qu'il compose à 25 ans et sa première symphonie sur la première de laquelle il avait écrit :

«  Ne doit jamais être exécutée ! »
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        L'école russe est très riche en compositeurs de talent. Elle est liée au mouvement littéraire avec Tolstoï et Dostoïewsky. Vers 1850 c'est la constitution  du groupe des cinq, dont les 3 compositeurs les plus célèbres sont Borodine, Rimsky-Korsakov et Moussorgsky. ( César Cui et Balakirev sont les deux autres compositeurs du groupe)
        Ils écrivent tous trois des poèmes symphoniques d'une grande beauté.

Citons respectivement:
"Dans les steppes de l’Asie centrale" de Borodine, "Shéhérazade"de Rimsky-Korsakov,
et "Une nuit sur le mont Chauve » de Moussorgsky.
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Tchaikowsky est le musicien russe le plus connu et sans doute le plus joué aujourd'hui. Il a écrit 6 symphonies, pratiquement toutes inspirées par l'obsession du destin, de la mort.

 
Tchaikowsky

         Les premières mesures de son concerto pour piano résonnent aux oreilles de tout le monde avec cette entrée triomphale des cuivres, et son concerto pour violon fait la joie de tous les virtuoses et de tous les publics. Il compose également de nombreux ballets, «  le lac des cygnes » et «  Casse noisettes » sont les plus célèbres.
        Après le groupe des cinq et Tchaïkovsky, il faut citer Rachmaninov.

        Né en 1873, Rachmaninov entre au conservatoire à neuf ans, et se fait connaître comme compositeur dans son pays. L'échec de sa première symphonie le stoppe net dans sa création. Il sera très affecté par ce " Fiasco ", comme il dit et suivra  une psychothérapie salutaire.
        Juste après il compose son deuxième concerto pour piano, qui connaît le succès immédiatement. Puis il compose le troisième concerto mais la révolution d’octobre 1917 le force à s'expatrier aux États-Unis où il se fait connaître en tant que pianiste virtuose interprétant ses propres créations.

Rachmaninov

 

Ses œuvres ne sont pas des plus modernes pour l'époque, ce n'est pas un compositeur d'avant garde. On ne peut pas dire qu'il soit resté insensible aux compositeurs de musique nouvelle comme Stravinsky mais il reste attaché au système tonal et peut être considéré comme le dernier grand romantique au sens musical du terme. Si Rachmaninov est un être sentimental, ce n'est pas un romantique à proprement parler.
Il meurt à Los Angeles en 1943.

        Bien que peu connu du grand public le compositeur russe le plus important de cette période est Alexandre Scriabine (1872-1915)
Il participera à l'émancipation du langage harmonique, en affirmant ses théories, en inventant un accord qu'il appellera " accord synthétique".
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En France plusieurs musiciens se distinguent.

Gounod

Bizet

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Tout d'abord Charles Gounod né en 1818, mort en 1893. Il écrit de nombreux opéras dont Faust (1859) qui constitue son chef-d'oeuvre. Il faut également citer Mireille (1864) et Roméo et Juliette (1867).
Sa méditation sur le premier prélude du clavier bien tempéré de Bach, plus connue sous le nom d'Ave Maria, lui apportera la célébrité.
        Gounod est un mélodiste de génie et même s’il n'a pas ouvert de nouvelles perspectives, il a probablement inspiré Bizet qui l'a toutefois dépassé sur le plan de l'invention et de la modernité.
        Le trop grand conformisme de Gounod, le besoin de plaire afin  « de ne pas rester dans l'ombre" lui apporteront la gloire de son vivant.
Pour ces mêmes raisons il n'est pas considéré de nos jours comme un musicien de tout premier plan. Comme disait Debussy :
" Il représente un moment de la sensibilité française".
 

       Bizet est né en 1838. Il représente le principal compositeur lyrique de cette première moitié de XIX siècle.
Il écrit sa première symphonie à 16 ans, en même temps que celle de Gounod. Son écriture est toutefois plus inventive et d'une plus grande maîtrise technique. En 1863 il compose " Les pécheurs de perles» L'oeuvre est inégale et Bizet lui-même décide de la retirer après 18 représentations. Peu à peu son style s'affirme. Il devient sobre, plus net et surtout plus original. Il s'éloigne des mélodies "mielleuses" de Gounod et une certaine influence germanique se fait sentir. L'Arlésienne" composée en 1872 constitue son premier grand chef-d'oeuvre et son premier grand succès.

Vient ensuite "Carmen» Bizet achève sa composition en 1874. C'est la seule œuvre de cette époque qui fait preuve d'un réalisme psychologique. Sa construction est sans faille et nous emmène inexorablement vers la mort. Mais sa modernité va dérouter le public et la création de l'œuvre se solde par un échec. Seul les vrais musiciens, Massenet, Saint-Saëns, Brahms, décelèrent le chef-d'oeuvre.
La critique condamna l'œuvre unanimement; Bizet n'avait selon eux ni le sens mélodique ni le sens dramatique. L'oeuvre connut le succès huit ans après sa mort.
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Saint-Saëns
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 Le renouveau Symphonique viendra de Lalo et de Saint-Saëns (1835-1921).
 
Ce dernier, impose avec Berlioz, le poème symphonique en France. C'est l'apogée du courant impressionniste, avec des peintres comme Paul Cézanne ou Renoir.  En Allemagne ou en Autriche, trois compositeurs caractérisent bien cette époque. Ce sont Anton Bruckner, Richard Strauss, et Gustav Mahler.

                Même si Bruckner (1824-1896) se trouve un peu esseulé dans ce trio, de par son âge, il mérite d'être cité car sa musique instrumentale est incomparablement plus moderne que celle de ses contemporains, mis à part Wagner. Ses symphonies sont grandioses tant par la durée que par la palette orchestrale, les cuivres ont un rôle très important, les phrases et les thèmes sont développés avec une extrême richesse.

          Richard Strauss ( 1864-1949) continue la tradition du poème symphonique créée par Liszt et les romantiques. L'orchestre est important, les cuivres et les percussions sont omniprésents. Toutefois la faiblesse des sujets, contraste souvent avec la puissance de l'orchestre. D'après ce que je connais de l'homme et non du musicien, je crois pouvoir dire que l'art passe parfois au second plan dans la vie de Strauss au profit du vedettariat, mais ceci n'engage que moi.

        Avant de continuer mon propos, j'aimerai faire allusion à Gustav klimt, le peintre autrichien le plus important de cette fin de 19me et de début du 20me siècle. Je le trouve, avec Mahler, caractéristique de cette époque viennoise. Il est pour la peinture, ce que Mahler est pour la musique; le modernisme et le raffinement.
 

Mahler
 

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        C'est Gustav Mahler que j'ai choisi afin d'illustrer les classiques modernes.
Schoenberg disait de lui que:

" Si l'on savait comment Mahler nouait sa cravate, on apprendrait plus qu'en trois années de conservatoire".
        Il a écrit 10 symphonies gigantesques, géniales, raffinées, colossales, etc., des cycles de lieder, et "Le chant de la terre" .
C'est un des plus grand chef d'orchestre de tous les temps. Ses sources d'inspiration sont souvent des airs folklorique, ce qu'on lui a longtemps reproché. Mais du thème le plus banal " Frère Jacques", il fait un chef-d'oeuvre.
        C'est l' Artiste au sens le plus noble du terme, tyrannique, avec son orchestre, mais toujours prêt à récompenser ses musiciens s'ils répondent à sa demande artistique. Ce n'est jamais assez pianissimo, ce n'est jamais assez fortissimo.
"Son temps est venu !" 


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